Autor: Jordi Ojeda

  • Poesia gràfica per expressar el dol per una mascota

    Aquí tienes la versión en castellano

    «Com que no sabia què fer en el projecte creatiu que m’havia plantejat, em vaig proposar reflexionar sobre allò que més por al món em feia, i pensar que es complís. En aquell moment, en Tapón encara no havia mort», va explicar Natalia Velarde sobre la gestació de la seva obra durant la roda de premsa de presentació del seu primer còmic extens, en recordar com el 2021 va obtenir una beca de l’Institut de la Joventut d’Espanya (Injuve), dependent del Ministeri de Drets Socials i Agenda 2030, dins de la línia de producció d’obra en la modalitat de Còmic i Il·lustració, amb una quantia de fins a 5.000 € per projecte seleccionat (destinats a cobrir costos de recerca, materials i temps de desenvolupament).

    Després de tres anys de treball creatiu i un any més de preparació editorial, Velarde va poder publicar finalment Encías quemadas (2025). El còmic, editat pel segell Reservoir Books, acaba de ser guardonat amb el Premi a la Millor Obra Nacional Splash 2026, atorgat per l’Ajuntament de Sagunt, reconeixement que s’entregarà en la XIII edició del Festival de Còmic que se celebrarà en aquest municipi del divendres 20 al diumenge 22 de novembre. L’obra és un compendi d’abstracció i narració alhora, amb vocació experimental quant a la seva proposta final, concebuda com un homenatge dins del dol per la mort del seu gos Tapón, que l’havia acompanyat de manera inseparable al llarg de disset anys.

    Fins a aquell moment, Velarde havia abocat la seva trajectòria en l’àmbit de l’autoedició i els fanzins breus. Nascuda el 1994 a Veneçuela i resident a Madrid des del 2005, gràcies a aquesta beca l’autora va obtenir el suport econòmic i la legitimitat necessaris per plantejar-se per primera vegada una novel·la gràfica de gran extensió i complexitat conceptual, tot i que des d’un primer moment no va apostar per un guió tancat, sinó per una proposta oberta de recerca gràfica i narrativa. Aquest impuls li va permetre comptar amb el marge suficient per explorar la hibridació entre dos llenguatges aparentment oposats: el diari oníric i la narració clàssica d’aventures.

    Formada en Belles Arts a la Universitat Rey Juan Carlos, l’autora reconeix la influència de pintors com Gustav Klimt (1862-1918), Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901) i Francis Bacon (1909-1992), tots tres units, des d’un punt de vista pictòric, per la seva decisió de subordinar el realisme acadèmic tradicional en favor de la distorsió formal, l’expressivitat psicològica i l’exploració de la vulnerabilitat humana. Toulouse-Lautrec i Klimt impulsen el llenguatge del modernisme i el simbolisme mitjançant la síntesi gràfica, el protagonisme de la línia estilitzada i la tensió constant entre la figura detallada i els fons abstractes, plans o decoratius. Lautrec va aportar una mirada àgil i expressiva cap a la vida bohèmia i l’anatomia distorsionada, aspecte que connecta directament amb l’evolució posterior de Francis Bacon, qui va radicalitzar aquesta deformació corpòria. El pintor britànic, per la seva banda, va despullar la figura de qualsevol ornament per convertir la carn en un crit visceral contingut en espais plans i claustrofòbics.

    Així mateix, entre els referents contemporanis fonamentals en el seu imaginari visual destaquen l’artista japonès Yoshitaka Amano (n. 1952) i el creador belga Brecht Evens (n. 1986), figures clau dins dels corrents actuals de la narrativa gràfica. La crítica especialitzada assenyala sobre això que la novel·la gràfica contemporània mostra un nexe on les belles arts s’hibriden amb la il·lustració i el còmic, com apunten teòrics com Jan Baetens i Hugo Frey. En aquest terreny, Yoshitaka Amano trasllada el gust decoratiu del simbolisme i l’Art Nouveau a la fantasia onírica mitjançant traços gràcils i siluetes que freguen l’abstracció, tal com ha analitzat la investigadora Jaqueline Berndt. Per la seva banda, Brecht Evens representa l’avantguarda del mitjà en trencar la quadrícula tradicional de vinyetes, substituint-la per la superposició de transparències, el dinamisme espacial i la retolació manuscrita, característiques destacades en retrospectives com la del Cartoonmuseum de Basilea.

    En el llenguatge plàstic de Natalia Velarde, Amano i Evens operen com un pont tècnic i conceptual que permet canalitzar el dramatisme pictòric dels clàssics cap a la narrativa seqüencial, dotant Encías quemadas de la seva llibertat formal, la seva estètica de diari gràfic i el seu atreviment tipogràfic. Paral·lelament, davant la inestabilitat econòmica que li impedia assumir la despesa considerable d’un tribut tradicional, va concebre el llibre com un espai fantàstic immortal on albergar el seu gos sota les cures del personatge de Cielito. Es tracta d’una obra que busca acompanyar-la en el procés de dol i mantenir viva la gratitud pels anys compartits juntament amb qui considerava un membre més de la família.

    Encías quemadas
    Natalia Velarde
    Reservoir Books, 2025

  • YES, censurada pel Govern de Netanyahu, premiada a l’Atlàntida Mallorca Film Fest

    YES, censurada pel Govern de Netanyahu, premiada a l’Atlàntida Mallorca Film Fest

    Aquí tienes la versión en castellano

    El 14 d’agost de 2026, el jurat de l’Associació Catalana de la Crítica i l’Escriptura Cinematogràfica (ACCEC) va atorgar el Premi de la Crítica de la 16a edició de l’Atlàntida Mallorca Film Fest a la pel·lícula YES (KEN, 2025), amb guió i direcció del cineasta israelià exiliat Nadav Lapid. El jurat, integrat pels periodistes Marla Jacarilla, Víctor Dalmau i Agus Izquierdo, va reconèixer per unanimitat l’obra amb la resolució següent: «Per convertir el cinema en una eina radical que confronta l’audiència amb el genocidi. Per la seva arriscada posada en escena. Per portar el cinema contemporani al límit».

    El recorregut internacional del llargmetratge s’ha caracteritzat per un notable impacte en festivals i per la polarització del públic. Al maig de 2025, la pel·lícula va tenir la seva estrena mundial a la 57a edició de la Quinzena dels Cineastes del Festival de Canes, on es va consolidar com una de les apostes més valentes de l’any. Poc després, la mítica revista Cahiers du cinéma la va incloure entre els deu millors títols de l’any.

    Mesos després, a l’octubre de 2025, va competir a la Secció Oficial de la 70a Setmana Internacional de Cinema de Valladolid (SEMINCI). La seva projecció oficial, programada per al divendres 31 d’octubre de 2025, va estar envoltada d’un clima d’alta tensió social a causa de les manifestacions propalestines a la catifa vermella, la qual cosa va motivar un desplegament policial sense precedents. Malgrat la tensió, la muntadora Nili Feller es va alçar amb el Premi José Salcedo al Millor Muntatge per «la mil·limètrica seqüenciació rítmica del metratge». Setmanes abans, al setembre de 2025, la cinta havia sumat importants nominacions tècniques a la gala dels Premis Ophir de l’Acadèmia de Cinema d’Israel davant el descontentament de l’aparell governamental, obtenint finalment les estatuetes a Millor Muntatge i Millor Banda Sonora.

    YES s’articula en tres actes clars que narren la caiguda dels seus protagonistes. El primer, «La bona vida», retrata amb mordacitat l’excés de les classes acomodades de Tel-Aviv, amb una parella d’artistes —un músic (Y.) i una ballarina (Yasmin)— reduïda a entreteniment per a les elits del país. El segon acte, titulat «El camí», altera de manera dràstica el ritme visual: el protagonista inicia un viatge existencial cap a la frontera amb Gaza, a manera d’inspiració per complir un encàrrec oficial: compondre un himne d’enaltiment nacionalista. Finalment, el tercer acte es centra en la cruïlla moral del músic: cedir davant la propaganda a canvi de tranquil·litat o rebel·lar-se contra el poder.

    El mateix Nadav Lapid esclareix el sentit de la història a través del seu títol en hebreu, Ken («SÍ»). Després d’anys retratant personatges en constant rebel·lia, Lapid explora què passa quan un creador claudica per ser acceptat pel sistema. A la pantalla, aquest assentiment funciona com a metàfora de la complicitat social amb la guerra. Tanmateix, el director manté un tret de resistència en batejar el protagonista com a Y., la pronunciació del qual remet al why? («per què?») anglosaxó. Una prova que, sota l’obediència, sempre perviu un últim dubte ètic.

    En el pla estètic, la pel·lícula beu directament del llegat de Jean-Luc Godard (1930-2022). Lapid assumeix la influència del director franc-suís en combinar text en pantalla i ideologia, sobreimprimint el terme «YES!», tallant el pla de sobte i fent que els actors parlin a càmera per encarar l’espectador. La presència constant de la bandera israeliana acaba de reblar el to provocador de la proposta.

    El polèmic finançament del projecte respon al complex escenari cultural israelià. Que la cinta rebés fons estatals —la qual cosa va provocar crides al boicot d’activistes internacionals— es deu a subvencions automàtiques fixades per llei, alienes al Govern de Netanyahu. Tanmateix, en comprovar la duresa del film, les distribuïdores comercials israelianes li van vetar l’entrada a les sales.

    Aquesta censura econòmica i institucional va obligar la producció a traçar un circuit d’exhibició clandestina i alternativa dins de les fronteres d’Israel. Per esquivar el bloqueig comercial i el risc latent de confiscació del material fílmic per motius de seguretat nacional, Lapid i els seus col·laboradors van distribuir còpies digitals xifrades a través de xarxes independents de resistència cultural. Després del seu aclamat pas oficial pel Festival de Cinema de Jerusalem, la cinta va acabar projectant-se de manera semiclandestina en sales independents i en passes privats organitzats en soterranis i espais alternatius, consolidant l’obra com un veritable fenomen de la dissidència cultural.

    Lapid reconeix que el marc conceptual i iconogràfic de la pel·lícula s’inspira en les arts plàstiques del període d’entreguerres del segle passat. En concret, utilitza explícitament com a eix de la seva posada en escena el llenç Els pilars de la societat (Die Stützen der Gesellschaft, 1926), obra cabdal del pintor expressionista alemany George Grosz (1893-1959). La influència s’evidencia en l’aspecte temàtic, ja que, així com Grosz va retratar de manera grotesca l’elit de la República de Weimar com a artífexs cecs que van aplanar el terreny per a l’ascens del feixisme, Lapid traça un paral·lel directe amb la intel·lectualitat adinerada de Tel-Aviv, a la qual acusa «d’indiferència burgesa i hedonisme mentre es desenvolupen tragèdies humanes a pocs quilòmetres». En l’aspecte visual, la pel·lícula assimila aquest estil formal a través del que el cineasta defineix com un «expressionisme modern»: l’ús d’una càmera convulsa, angulacions extremes i una caracterització hiperbòlica i deformada dels personatges de la jerarquia estatal.

    Aquest univers s’expandeix dramàticament a través dels personatges secundaris, concebuts com un cor d’arquetips socials de la banalitat. Entre ells destaca Yasmin, l’esposa del protagonista, la dansa i l’hedonisme corporal de la qual encarnen la fugida estètica d’una burgesia liberal que prefereix el refugi artístic al compromís moral. Davant seu es situa el bloc despersonalitzat dels buròcrates governamentals, funcionaris que instrumentalitzen la creació artística reduint-la a un simple tràmit administratiu.

    El paper principal va recaure en Ariel Bronz, un reconegut i polèmic dramaturg i creador de l’avantguarda alternativa israeliana. Elegit per Lapid a causa del seu històric activisme contra corrent —el qual ja li havia costat investigacions policials prèvies el 2016 per les seves provocadores protestes artístiques a favor de la llibertat d’expressió, quan va ser detingut per introduir-se una bandera entre els glutis en un dels seus espectacles—, Bronz dota el seu personatge d’una visceralitat incòmoda.

    El destí de l’actor i el de la pel·lícula mateixa van quedar tràgicament entrellaçats més enllà de la pantalla. El 17 de setembre de 2025, en la mateixa setmana en què la cinta competia als Premis Ophir de l’Acadèmia de Cinema israeliana, la divisió de delictes cibernètics de la policia va irrompre de matinada al domicili de Bronz a Tel-Aviv, procedint a la seva detenció formal sota la greu acusació d’incitació al terrorisme arran d’un poema satíric dissident que l’artista havia publicat setmanes enrere a les seves xarxes socials.

    Per ser alliberat, Bronz va haver d’esborrar qualsevol rastre dels seus escrits a internet, dels seus manuscrits i dels seus dispositius electrònics, i afrontar una multa de 10.000 xéquels (prop de 3.000 euros). Aquest arrest real va provocar una immediata reacció de condemna internacional per part de Nadav Lapid, en la qual el cineasta va denunciar públicament l’assetjament estatal i l’asfíxia democràtica que pateixen els creadors dissidents. La crítica internacional no va trigar a destacar la profunda paradoxa que envoltava el cas: mentre en la ficció cinematogràfica el protagonista pateix un col·lapse moral per veure’s forçat a posar música a un poema propagandístic estatal que clama per la destrucció de Gaza, en la vida real l’actor era empresonat i censurat per escriure un poema satíric que qüestionava el discurs violent del seu propi govern, convertint el seu cas en el reflex directe de la pel·lícula.

    El missatge polític esclata en el tram final amb l’ús de la peça lírica La Germanor (Hareut, 1949), un poema icònic del poeta, periodista i cineasta Haim Gouri (1923-2018), un dels més influents de la història moderna d’Israel. Tradicionalment considerat un himne solemne de dol i fraternitat militar en commemoració de la guerra de 1948, els versos són sotmesos al llargmetratge a una mutació propagandística perversa, reproduïnt un fet infame real.

    Als crèdits finals, Lapid informa l’espectador de la intenció de la seva acció: «Al novembre de 2023, durant la invasió israeliana de Gaza, una organització anomenada The Civilian Front (El Front Civil), va llançar una cançó acompanyada d’un videoclip, titulat La cançó de la generació de la victòria. És una versió distorsionada de la cançó La Germanor, una de les cançons commemoratives fundacionals de l’Estat d’Israel. El Front Civil va usar una melodia semblant a l’original, de Sasha Argov (1914-1995), i va distorsionar per complet la lletra i la intenció de l’autor». Això es va fer sense el consentiment ni l’autorització de la família Gouri.

    La pel·lícula inclou íntegrament el susdit videoclip, malgrat la ferma oposició de la família del poeta. El vídeo de la cançó mostra nens petits (els rostres dels quals han estat desenfocats a la pel·lícula) interpretant amb naturalitat les estrofes reals del polèmic text actualitzat. En mostrar la infància entonant frases que anticipen l’anihilació absoluta de la població de Gaza, Lapid exposa «la deshumanització institucional contemporània, desposseint el poema original del seu caràcter elegíac per transformar-lo en un símptoma explícit d’adoctrinament bel·licista».

  • Ni petanca ni ganxet: la vellesa del futur es viurà davant de la pantalla del mòbil

    Ni petanca ni ganxet: la vellesa del futur es viurà davant de la pantalla del mòbil

    Aquí tienes la versión en castellano

    L’autor Scott McCloud (Boston, 1960), un dels teòrics i dibuixants d’historieta més influents del panorama internacional, va encunyar el concepte de «llenç infinit» (Infinite Canvas) en el seu assaig Reinventando el cómic: Cómo la imaginación y la tecnología están revolucionando la forma artística (Reinventing Comics: How Imagination and Technology Are Revolutionizing an Art Form, 2000). A partir de l’anàlisi de diferents propostes de còmics digitals que havien aparegut en els tres lustres anteriors, McCloud es plantejava per què la narrativa gràfica en pantalla continuava encadenada a la mida i els límits del paper imprès. Per a McCloud, el suport físic tradicional —la pàgina de paper amb dimensions fixes d’amplada i alçada— no constituïa una regla inherent al llenguatge de la historieta, sinó una limitació històrica imposada per la indústria de la impremta.

    El llenç infinit proposa entendre la pantalla de l’ordinador o del dispositiu mòbil no com un marc rígid que conté una pàgina escanejada, sinó com un visor o finestra que es desplaça lliurement sobre un espai narratiu potencialment il·limitat. En alliberar-se de les fronteres del paper, el còmic digital transforma la lectura en una experiència fluida i sense interrupcions. Les vinyetes ja no estan atrapades entre marges rígids: poden desplegar-se en un desplaçament infinit cap avall, estendre’s en una panoràmica horitzontal o ramificar-se com un mapa. Sense la pausa obligada de girar full, l’espai a la pantalla es converteix en temps pur; la distància entre les imatges marca el compàs de la història —transmetent des del vertigen de l’acció fins a la calma d’un pensament— mentre el lector simplement es deixa portar fent lliscar el dit sobre la pantalla.

    Els investigadors Roberto Bartual i Gerardo Vilches, en el seu article La vanguardia del cómic digital: Transmedialidad y recursos narrativos en Joselito de Marta Altieri (2020), indiquen que la irrupció dels dispositius mòbils i la simplificació dels recursos tècnics han afavorit noves propostes creatives que van en la línia del llenç infinit proposat per McCloud. Els autors van més enllà en reconèixer que «els webcómics no tenen per què limitar-se a reproduir imatges estàtiques i textos; també poden incloure música, imatge animada, efectes visuals, etc.», i indiquen una llista de possibles recursos narratius innovadors en aquell moment: «GIF animats, diàlegs disposats com en una pantalla de WhatsApp, tremolors de pantalla, inserció de clips musicals, efectes de desenfocament, de salvapantalles o ús de fotografia tractada digitalment».

    Bartual i Vilches dediquen aquesta investigació a un webcòmic en concret, que «destaca per l’ús indiscriminat de gairebé tots aquests recursos»: Joselito (2018-2022), de l’autora sevillana Marta Altieri. Nascuda el 1987 i resident a Madrid, pertany a la Generació Millennial (o Generació Y), el marc temporal de la qual es situa de forma generalitzada entre els anys 1981 i 1996, avantsala de la Generació Z, la primera integrada per natius digitals purs. A diferència dels seus successors, els millennials van viure una infantesa lliure de pantalles intel·ligents, però van integrar internet, la telefonia mòbil i les xarxes socials durant la seva joventut. Els hàbits de consum van virar des de l’acumulació de patrimoni físic cap a la vivència personal. L’auge de les plataformes de subscripció, els serveis compartits i la prioritat atorgada als viatges, la gastronomia i l’oci cultural reflecteixen un canvi cultural on l’experiència prima sobre la possessió.

    Per a aquesta generació, supervivent de diverses crisis econòmiques —com la recessió del 2008—, la precarietat i l’encariment de l’habitatge van retardar o modificar fites socials tradicionals. La independència econòmica, la compra d’immobles, el matrimoni i la maternitat o paternitat s’han postergat significativament en comparació amb les generacions precedents, donant pas a estructures de llar més flexibles. En l’esfera professional, aquesta generació va impulsar la cerca de propòsit en la feina, qüestionant la cultura del presencialisme i introduint el debat sobre la conciliació i el teletreball. De manera paral·lela, va liderar la desestigmatització de la salut mental en l’espai públic, prioritzant l’estabilitat emocional com un pilar fonamental del benestar.

    En definitiva, en tractar-se d’una generació marcada per profundes transformacions tecnològiques i escletxes econòmiques globals, els seus trets sociològics han redefinit l’estructura familiar, l’espai de treball i els patrons de consum. I justament a aquest perfil pertany el personatge de Joselito, convertit en una figura icònica de la narrativa digital contemporània: «Visualment ideat com una silueta esquemàtica en negre sobre fons clar amb centelleigs de color expressiu, el seu disseny minimalista contrasta amb una notable càrrega dramàtica. Més que un personatge tradicional amb disseny anatòmic clàssic, funciona com un avatar hipertextual a través del qual l’autora canalitza l’experiència i introspecció de la joventut actual», s’indica en la promoció de l’obra.

    «Protagonista d’un univers que s’articula al voltant de l’amor, el desencís, les passions i la paranoia, el personatge navega per estats emocionals fluctuants que van des de la fascinació interpersonal fins a l’aïllament rere la pantalla». La mateixa autora fa èmfasi en el fet que les seves vivències no responen a grans epopeies fictícies, sinó «al rerefons de la rutina urbana: l’ansietat de la precarietat, els altibaixos emocionals, la cerca de connexió i la incertesa del dia a dia». Bartual i Vilches descriuen Joselito com un webcòmic generacional, no només per les peripècies del seu protagonista, sinó sobretot per la naturalesa de la seva angoixa vital, en una societat que l’autora reconeix hiperinformada gràcies a la xarxa, cosa que estimula el personatge i li permet aconseguir els seus ingressos vitals.

    «Joselito és un millennial que teletreballa des de casa i manté dos perfils d’Instagram, un per penjar mems de creació pròpia i un altre per a les seves fotografies de nus. A més, en el seu temps lliure, Joselito és webcammer eròtic. La imatge que Joselito ha construït de si mateix a Internet és, com per a tota una generació, una màscara social amb la qual s’enfronta al món», afirmen els investigadors, que reconeixen al seu torn l’addicció del personatge no només a tot el que implica el món digital (l’obsessió pels «m’agrada» o per si la persona que t’agrada ha vist la teva actualització, entre d’altres floretes), sinó també als porros i als antidepressius. Com seria Joselito a la vellesa?

    Ara tenim la resposta per part de la mateixa autora, a partir d’una proposta de l’editorial per continuar amb les històries de Joselito quan va decidir parar, perquè «la sèrie no ha acabat, només que l’autora necessita un descans i repensar el guió», recorda a la seva web. El resultat final és el còmic Hotel Abuel (2025), publicat pel segell Reservoir Books, i que acaba de ser guardonat amb el Premi Talent Jove Splash 2026 atorgat per l’Ajuntament de Sagunt, un guardó que es lliurarà en la XIII edició del Festival de Còmic que se celebrarà en aquest municipi, del divendres 20 al diumenge 22 de novembre.

    Hotel Abuel està concebut en un format tradicional sobre paper i constitueix una sàtira entranyable i generacional sobre com envelliran els joves d’avui, a través de la quotidianitat d’una residència de gent gran els residents de la qual interactuen entre ells i amb els cuidadors del centre. Aquests millennials i alguns integrants de la Generació Z tenen ara entre setanta i vuitanta anys i, en lloc de jugar a la petanca o fer ganxet, els residents fan retransmissions en directe a xarxes socials, pengen vídeos, escolten reggaeton, sopen kebab i gestionen els seus crushes romàntics. I tenen les seves trobades sexuals, la seva afició a la marihuana i la seva dependència del reconeixement a les xarxes, una cosa que, lamentablement, sembla agreujar-se amb el temps.

    En una breu presentació dels sis personatges protagonistes (un d’ells, l’inevitable Joselito), veurem com arriben sols a la vellesa en tota la seva extensió, primer, per tractar-se de persones solteres, vídues o divorciades, però, sobretot, perquè no tenen fills. L’autora reivindica al còmic i a les entrevistes promocionals la presència de gats a les residències perquè, al cap i a la fi, «qui els anirà a visitar?». Altieri va decidir utilitzar un eufemisme en el títol, inspirant-se en una publicitat real que indicava «Urbanització per a gent gran». Quines històries devien estar passant allà dins?

    A Hotel Abuel, Altieri adopta una estratègia visual propera a la tècnica del POV (point of view o punt de vista subjectiu), posicionant el lector com un espectador immers en el dia a dia de la residència. A través d’aquest enfocament de mirada directa, la narrativa gràfica simula la perspectiva en primera persona d’un testimoni silenciós, permetent que qui llegeix experimenti de manera propera i immediata la intimitat, les rutines i les dinàmiques que es desenvolupen entre les seves parets. Una mirada a una vellesa rebel que se’ns acostava, amb uns cuidadors que treballen en condicions precàries —com el mateix còmic denuncia— i un número de persones assignades impossible de gestionar amb un servei de qualitat. Potser haurien d’obrir-se un podcast, com aconsella un dels avis al seu company d’habitació… un altre podcast.

    Hotel Abuel
    Marta Altieri
    Reservoir Books, 2025

  • Novel·les gràfiques sobre l’etapa a l’institut: inquietuds i incertesa pel futur

    Novel·les gràfiques sobre l’etapa a l’institut: inquietuds i incertesa pel futur

    Aquí tienes la versión en castellano

    «Perdona, és que estic farta que tot el món em pregunti el mateix» és la resposta de l’Olivia a un jove que acaba de conèixer i que li fa per enèsima vegada la mateixa pregunta que fa temps que escolta i que, sense anar més lluny, va repetir una vegada més el seu professor en l’última classe amb ella a l’institut just el dia anterior: «Ara que deixeu enrere aquests passadissos i comenceu la vostra vida adulta, espero que sentiu que aquesta classe us ha ajudat a preparar-vos per a l’educació postobligatòria i la maduresa», exclamaba just a l’inici de la classe mentre els lliurava els resultats d’un petit qüestionari de només cinc preguntes, i afegia: «Sé que ara no teniu ni idea de salaris o impostos, però creieu-me si us dic que les decisions que prengueu ara us perseguiran la resta de les vostres vides».

    L’Oli tenia un zero sobre cinc i, tot i que només veiem a la vinyeta les tres primeres respostes, intuïm com a lectors per què té aquesta nota. A la pregunta de on t’agradaria estudiar una vegada acabada l’etapa a l’institut, la resposta era «al Col·legi Hogwarts» (de Màgia i Bruixeria, de la saga de novel·les de Harry Potter). A la pregunta de quina creus que és la característica més destacada per a la sol·licitud d’ingrés als estudis universitaris, la resposta era «tenir sang de mag». A la pregunta de quina feina t’agradaria tenir després dels estudis, la resposta era «bruixa o jugadora de quidditch», en al·lusió a l’esport que es juga a la saga volant sobre escombres màgiques. Tot i que un poc irreals, eren respostes concretes, més elaborades que la difusa que li havia donat just aquell matí al seu germà de sis anys mentre el portava a l’escola: «És que no vull fer res». En contrast, amb tota la ingenuïtat del petit, ell sí que té clar què vol ser de gran: conductor d’autobús, «per poder recórrer tota la ciutat»

    L’Oli és la protagonista de la novel·la gràfica El abismo (The Gulf, 2024), d’Adam de Souza, publicada en castellà pel segell Astronave al setembre de 2024, amb traducció de Juan Naranjo. L’autor canadenc dedica la seva primera obra de llarga extensió a mostrar la por i la pressió immensa que senten els joves al final de l’etapa escolar, quan se’ls exigeix prendre decisions que definiran la resta de les seves vides. I situa la història el 2007, un instant important no només des del punt de vista tecnològic respecte a la presència i l’ús dels mòbils al llarg de la trama, sinó també pel fet que ell mateix tenia al voltant de catorze anys en aquell moment.

    L’autor reconeix a les entrevistes que, per a ell, el 2007 representava el tram final de la presidència de George W. Bush, «un moment en què el mandat de Barack Obama estava a tocar. Créixer sota l’ombra constant de l’11 de setembre i la “Guerra contra el Terror” va modelar profundament la psicologia dels adolescents d’aquella dècada». De Souza buscava transmetre com aquest clima social generava en els joves —i concretament en l’Oli, la protagonista— un sentiment de desorientació i pèrdua en l’àmbit polític. Créixer en un món polaritzat i inestable provocava que el futur adult no semblés desitjable ni coherent.

    Aquesta càrrega sociopolítica serveix com a catalitzador principal de la trama. La decisió dels quatre protagonistes de rebutjar la universitat i escapar-se just l’últim dia de classe per dirigir-se cap a una comuna a les Illes del Golf no era només una rabieta juvenil, sinó una resposta directa i utòpica contra un sistema socioeconòmic i polític en què no creien ni se sentien reflectits: buscaven un estil de vida que rebutgés la mercantilització i el capitalisme a favor del simple fet d’«existir». Una excel·lent història sobre el pas a la maduresa, sobre com els joves veuen el món quan s’enfronten a una crisi, emprant un dibuix que reflecteix la intensitat, la llibertat i el caos emocional de l’adolescència, amb una aventura desenvolupada en plena natura durant dies.

    En contrast, en un estil més urbà i contemporani, es presenta la novel·la gràfica Outline. El último curso (Outline, 2024), de l’autora alemanya Michèle Fischels, publicada pel segell Reservoir Books amb traducció al castellà d’Esther Cruz Santaella. L’obra segueix tres adolescents (Andreas, Ben i Clara) durant el seu últim any d’institut mentre s’enfronten, de nou, a la incertesa del futur, les crisis d’identitat i el desengany juvenil. La publicació constitueix el treball final del Màster en Disseny de la Universitat de Ciències Aplicades de Münster, i el que va començar com el desenvolupament esquemàtic de tres personatges (definits inicialment de manera abstracta per l’estudiant com A, B i C) es va convertir en una història en què, a aquesta edat, la mateixa identitat, la sexualitat i els plans de futur són només un esquema o un esborrany imprecís que encara està per definir-se, i que fa referència al terme emprat en el títol: Outline.

    Aquesta òpera prima de Fischels va ser guardonada amb el premi LUCHS Jahres-Preis 2024, un reconeixement important de literatura juvenil atorgat pel setmanari alemany Die Zeit i Radio Bremen. En la resolució, el jurat va destacar «la seva capacitat per estendre ponts cap a un món aclaparador, oferint un retrat realista que dona espai tant al temor com a la confiança sense edulcorar la realitat i dominant el estil amb un humor encertat», una proesa que la crítica ha celebrat «per narrar la confusió adolescent amb una força, encant i naturalitat verdaderament únics». El seu títol tanca una potent dualitat: funciona com a «metàfora d’una identitat i un destí que encara són només un esborrany o esquema imprecís, alhora que defineix la seva proposta visual, basada en un traç expressiu i tremolós que delimita els estats emocionals mitjançant l’ús del contorn (outline) i el color».

    En sintonia amb Fischels, la novel·la gràfica Aquest lloc em mata (This Place Kills Me, 2025), amb guió de Mariko Tamaki i dibuix de Nicole Goux, explora amb mordacitat i introspecció el desengany juvenil, les tensions de la identitat i l’aclaparadora sensació de no encaixar en el propi entorn. Publicada per Ediciones La Cúpula al maig de 2026, amb traducció al castellà de Marina Borrás i traducció al català de Marta Armengol, l’obra ha estat guardonada amb el Premi a la Millor Publicació per a Adolescents i el Premi a la Millor Guionista en la 38a edició dels Premis Will Eisner de la Indústria del Còmic, anunciats el 24 de juliol de 2026 durant la Comic-Con Internacional de San Diego, un dels reconeixements més prestigiosos del sector.

    A més de diverses nominacions per a les dues autores en edicions anteriors, és el primer premi Eisner per a Nicole Goux, mentre que els dos obtinguts per Mariko Tamaki se sumen als cinc aconseguits en tres edicions anteriors gràcies a tres novel·les gràfiques publicades també per Ediciones La Cúpula i que són de lectura obligada: el 2015, Premi al Millor Àlbum Gràfic per Aquel verano (This One Summer), cocreada amb Jillian Tamaki; el 2020, Premi a la Millor Guionista i Premi a la Millor Publicació per a Adolescents per Laura Dean me ha vuelto a dejar (Laura Dean Keeps Breaking Up with Me), dibuixada per Rosemary Valero-O’Connell; i el 2024, Premi a la Millor Guionista i Premi al Millor Àlbum Gràfic per Roaming, cocreada amb Jillian Tamaki (vegeu l’article Un viatge entre amigues).

    Ambientada a meitat de la dècada dels vuitanta a la fictícia Wilberton Academy (un exclusiu internat femení privat), la història segueix l’Abby Kita, una estudiant acabada de traslladar, aïllada i perseguida per rumors sobre el seu passat i la seva orientació sexual. La rutina del col·legi es trenca el matí següent a l’estrena de Romeu i Julieta, quan l’Elizabeth Woodward —la noia «perfecta», la més popular del col·legi i estrella del grup de teatre— apareix morta al bosc, lluint el seu vestuari com a protagonista de l’obra de Shakespeare.

    Tot i que les autoritats i la direcció del col·legi dictaminen ràpidament que es va tractar d’un suïcidi, l’Abby (que va ser una de les últimes persones a veure-la amb vida) sospita que hi ha alguna cosa molt més fosca darrere de la tragèdia. Juntament amb la seva companya d’habitació i periodista escolar, la Claire, inicia una investigació mitjançant entrevistes i el seguiment de diferents pistes, destapant una complexa xarxa de secrets, dinàmiques de poder institucional, assetjament escolar i l’asfixiant homofòbia de l’època, conservadora per excel·lència. A les entrevistes promocionals, la guionista reconeix que l’ambientació està fortament inspirada en les dinàmiques i l’estètica dels internats privats femenins d’elit a Amèrica del Nord. Per retratar les pressions institucionals, l’elitisme i l’aïllament dels seus personatges, Tamaki recorre amb freqüència al rerefons de la seva pròpia experiència estudiantil a l’Havergal College, un conegut col·legi privat per a noies situat a Toronto, el Canadà.

    L’apartat visual de Goux contribueix a l’èxit de la novel·la gràfica mitjançant un traç dinàmic i immersiu i unes ombres pesades que otorgan un estil gòtic i claustrofòbic a l’internat. La paleta de colors de Nicole Goux —enfocada en tons negres, grisos i accents en rosa— ressalta l’aïllament de l’Abby enfront de la multitud, mostrant una atmosfera més fosca i madura, en consonància amb la transcendència del relat: la mort d’una jove amb una elevada concentració de drogues a la sang.

    Segurament, l’Abby només vol ser una «herba dolenta», com l’Oli, la protagonista de L’abisme. Una de les persones amb qui es troba l’Olivia en la seva particular fugida li aconsella que ha «de trobar una manera de viure que et resulti autèntica, adequada i correcta», a la qual cosa afegeix: «Només has de continuar buscant el teu camí. Com les males herbes! Les males herbes creixen on els ve de gust i és molt difícil desfer-se’n. L’única diferència entre una mala herba  i una flor és el lloc on creixen»… Doncs siguem males herbes.

     

  • Crònica del desencant davant d’una Transició pactada

    Crònica del desencant davant d’una Transició pactada

    Aquí tienes la versión en castellano

    L’històric documental El desencanto (1976), dirigit i guionitzat per Jaime Chávarri i produït per Elías Querejeta (1934-2013) —veritable impulsor del projecte—, es considera en l’actualitat una pel·lícula de culte amb una gran càrrega d’anàlisi sociològica de l’època final del franquisme. El film és un relat íntim i descarnat sobre la família del poeta Leopoldo Panero (1909-1962), considerat un símbol intel·lectual del règim franquista. A través d’una sèrie d’entrevistes creuades, la pel·lícula dona veu a la seva vídua, Felicidad Blanc (1913–1990), i als seus tres fills: Juan Luis Panero (1942–2013), Leopoldo María Panero (1948–2014) i José Moisés «Michi» Panero (1951–2004), els dos primers també poetes, i el tercer, intel·lectual.

    La pel·lícula parteix de la mort del poeta oficial de l’Espanya franquista, Leopoldo Panero, el 1962. Catorze anys després, la seva vídua i els seus tres fills es reuneixen per recordar la seva figura. El que comença com un homenatge formal es transforma ràpidament en una demolidora catarsi familiar, on els membres es llancen retrets ferotges, desvelant la hipocresia, la crueltat del pare i l’odi soterrat que els unia. El clan dissecciona els seus traumes, la doble moral de la burgesia d’aquell temps, la bogeria, l’alcoholisme i la ruïna econòmica i moral del seu llinatge, la qual cosa la converteix gairebé en un relat terrorífic.

    La crítica va coincidir que la decadència de la família Panero era una al·legoria perfecta de la descomposició del règim franquista. La figura del pare (com un símil del mateix dictador) queia a mans de les confessions de la seva pròpia descendència. Chávarri es va proposar que les pròpies imatges parlessin per si mateixes, sense una veu en off que guiés l’espectador; és la pròpia paraula dels protagonistes la que construeix (i destrueix) la narrativa, exposant la façana i les aparences sobre les quals se sostenia la societat. Per a molts joves i militants antifranquistes, l’arribada de la democràcia no va portar la ruptura utòpica que esperaven, sinó pactes, continuisme i renúncies.

    La pel·lícula va capturar a la perfecció aquell estat d’ànim col·lectiu. Va ser aquesta obra la que va encunyar i popularitzar el terme «el desencant» per definir la frustració i la decepció política, social i vital que va caracteritzar una part de la societat espanyola durant la Transició. El públic i la crítica del moment no només hi van veure la destrucció d’una família burgesa tradicional, sinó la radiografia d’una Espanya que despertava del franquisme. Aquest títol expressava amb encert el sentiment generalitzat de la societat espanyola de finals dels anys setanta, quan les promeses del canvi democràtic van xocar amb la crua realitat econòmica i social.

    Chávarri va estar un any i mig registrant les converses entre els quatre membres de la família, sense un guió previ i sense que ningú imaginés si més no el que va acabar sorgint a les xerrades. La gravació i el muntatge final de pràcticament tot el material es va realitzar amb total independència del productor, ja que Elías Querejeta es trobava en aquell moment molt involucrat en el rodatge de la pel·lícula Pascual Duarte (1976), dirigida per Ricardo Franco (1949-1998) i protagonitzada per José Luis Gómez, qui va obtenir el Premi a la Millor Interpretació Masculina al Festival de Canes de 1976 per aquesta actuació, imposant-se sorprenentment a Robert de Niro, que era el favorit aquell mateix any per Taxi Driver.

    Ricardo Franco va adaptar la novel·la homònima de Camilo José Cela (1916–2002) per retratar la violència i la manca d’oportunitats de l’Espanya rural. En molts sentits, aquesta cinta funciona com l’altra cara de la moneda del documental El desencanto: mentre que la història de Pascual mostra l’aïllament i la duresa de la vida en les classes més pobres, la pel·lícula sobre els Panero reflecteix la infelicitat i la hipocresia de la burgesia intel·lectual. Juntes, ambdues obres formen un retrat complementari i molt més real sobre els problemes que arrossegava la societat espanyola al començament de la Transició.

    Aquest sentiment de desencant és el que desprèn la novel·la gràfica La caja de Pandora (2025), amb guió i dibuix d’Ángel de la Calle, publicada per Garbuix Books en una data tremendament simbòlica, el 19 de novembre de 2025, la vigília del cinquantenari de la mort del dictador. En la comunicació comercial s’indica el següent: «L’obra és un retrat crític del que va acabar sent la Transició i de com la van viure i de les opcions que van prendre els seus protagonistes anònims». Es tracta d’una autoficció protagonitzada pel mateix autor, que reconstrueix des de l’actualitat i des del record els fets esdevinguts en el seu entorn durant la seva joventut als anys setanta.

    El text emfatitza el sentiment generalitzat de tota una generació antifranquista: «Al llarg de les seves pàgines es descriu el malestar, la desil·lusió i fins i tot l’estupefacció davant del que estava ocorrent, a més del preu que cal pagar per ser coherent». L’obra ha estat reconeguda amb el Premi al Millor Guió Splash 2026 atorgat per l’Ajuntament de Sagunt, un guardó que es lliurarà en la XIII edició del Festival de Còmic que se celebrarà en aquest municipi, del divendres 20 al diumenge 22 de novembre. La lectura de la novel·la gràfica és també una oportunitat de recuperar la memòria històrica de les publicacions associades a la contracultura d’aquell període, avui dia difícils de trobar, però que van ser fonamentals per la seva transgressió i el seu protagonisme involuntari en ocasions, en ser blanc de l’extrema dreta o, directament, de la dreta judicial.

    De la Calle completa la seva particular i potser involuntària trilogia sobre el segle XX (això sí, composta per històries independents), que ell mateix reconeix a l’epíleg, juntament amb les imprescindibles novel·les gràfiques Modotti (2007), que transcorre als anys vint i trenta, i Pinturas de guerra (2016), que esdevé als anys seixanta i en la qual l’autor també figura com a personatge, tot i que cal recordar que va néixer el 1958, a Molinillo de la Sierra (Salamanca). I tot just quatre mesos després de La caja de Pandora, publica La vida toda (2026), amb guió propi, dibuix de Jordi Sempere i color d’Anna Ruiz, una història inspirada en fets reals on reivindica la memòria sobre els crims d’Estat durant la dictadura argentina i les seves tràgiques conseqüències per a la població civil (vegeu l’article La memòria davant l’oblit: tres generacions marcades per la dictadura militar argentina).

    En aquest mateix epíleg, l’autor afirma amb rotunditat, davant la pregunta d’un conegut seu de si La caja de Pandora era una història nostàlgica i malenconiosa, que no, que es tracta en realitat d’una història romàntica: «El romanticisme anglès té un toc de tristesa, intimisme i malenconia, a l’estil de Lord Byron. Però a mi m’agrada el romanticisme alemany, que és potent i bell», per acabar el paràgraf amb una declaració contundent: «Recordeu com comença un dels més portentosos relats romàntics: “Un fantasma recorre Europa…”», en una clara al·lusió a la cèlebre frase «Ein Gespenst geht um in Europa…» en l’alemany original, amb la qual s’iniciava un dels tractats polítics i sociològics més influents de la història contemporània, el Manifest del Partit Comunista (Manifest der Kommunistischen Partei, 1848), de Karl Marx (1818-1883) i Friedrich Engels (1820-1895). Aquest text començava de la següent manera: «Un fantasma recorre Europa: el fantasma del comunisme. Totes les potències de la vella Europa s’han unit en una Santa Aliança per acorralar aquest fantasma: el Papa i el Tsar, Metternich i Guizot, els radicals de França i els policies d’Alemanya».

    El Manifest Comunista estableix el marc teòric de la lluita de classes i la promesa d’una transformació revolucionària cap a una societat més justa, un ideal que funciona exactament com el motor vital dels protagonistes de La caja de Pandora. A la novel·la gràfica d’Ángel de la Calle, els joves militants antifranquistes encarnen aquest moviment que buscava enderrocar els seus opressors històrics durant els anys setanta a Espanya. No obstant això, mentre el text de Marx i Engels proclama el triomf imminent i definitiu de la revolució proletària, el còmic mostra el xoc d’aquesta utopia contra la realitat: reflecteix com els anhels d’un canvi profund i anticapitalista van acabar diluïts en els pactes polítics de la Transició, deixant pas a una profunda decepció en la qual només va sobreviure, com en el mite grec, l’esperança de futures lluites.

    L’autor evoca en el títol de la novel·la gràfica el mite de la capsa de Pandora, un dels relats més cèlebres de la mitologia grega, el propòsit principal del qual és explicar l’origen del mal, el patiment i les malalties en el món humà. Segons el poeta grec Hesíode, després que el tità Prometeu robés el foc de l’Olimp per lliurar-lo als mortals, Zeus va decidir castigar la humanitat. Per fer-ho, va ordenar al déu Hefest que modelés amb argila la primera dona, Pandora (que significa «la que té tots els dons», ja que els déus li van atorgar bellesa, persuasió i habilitat manual). Zeus va oferir Pandora com a esposa a Epimeteu, el germà de Prometeu. Com a regal de noces, Pandora duia amb ella un recipient (que la tradició posterior transformaria en una «capsa») amb l’estricta prohibició d’obrir-lo. Tanmateix, els déus també havien dotat Pandora d’una curiositat insaciable. Incapaç de resistir-se, va obrir el recipient i, en fer-ho, va deixar escapar totes les desgràcies, malalties, guerres i fatigues que des d’aleshores afligeixen la humanitat. Terroritzada, va tancar la tapa de cop, aconseguint retenir en el fons del recipient un únic element: l’Esperança, just la que ara reivindica l’autor en una lectura imprescindible per entendre la història contemporània del país des del protagonisme dels seus ciutadans anònims.


    La caja de Pandora
    Vivir y morir en los tiempos de la Transición
    Ángel de la Calle
    Garbuix Books, 2025

  • Objectiu Lemóniz: l’ofensiva d’ETA contra els enginyers de la central nuclear

    Objectiu Lemóniz: l’ofensiva d’ETA contra els enginyers de la central nuclear

    Aquí tienes la versión en castellano

    La preservació de la memòria democràtica resulta essencial per consolidar la maduresa d’una societat, garantint el dret a la veritat, la justícia i la reparació davant l’oblit institucional. Rescatar de l’oblit la història recent no és un exercici de nostàlgia ni un debat restringit als llibres de text: és una necessitat democràtica de primer ordre. Aquesta tasca de memòria permet resistir davant la reescriptura interessada del passat, blindant les institucions davant la impunitat i transmetent a les noves generacions el valor irrenunciable dels drets humans.

    A l’empara de marcs legislatius com la Llei 20/2022, de 19 d’octubre, de Memòria Democràtica —que va ampliar l’abast de la pionera Llei 52/2007, de 26 de desembre, de Memòria Històrica— i en consonància amb la Llei 29/2011, de 22 de setembre, de Reconeixement i Protecció Integral a les Víctimes del Terrorisme, el compromís amb la veritat històrica exerceix un paper pedagògic indispensable en la societat. En aquest context, la translació d’episodis complexos al llenguatge de la narrativa gràfica adquireix una rellevància capital, en convertir-se el còmic en un vehicle de memòria viva que rescata la dolorosa realitat de les víctimes i ajuda a comprendre les profundes ferides del conflicte narrat.

    I un bon exemple d’aquesta contribució és la novel·la gràfica Lemóniz. ETA y el movimiento antinuclear (2026), publicada per Norma Editorial, amb guió de Florentino Flórez i dibuix de Guillermo Sanna. L’obra aborda un dels episodis més agitats i tràgics de la història recent d’Espanya: la violenta ofensiva desencadenada per l’organització terrorista ETA contra la construcció de la central nuclear de Lemóniz (Biscaia) entre finals de la dècada dels setanta i principis dels vuitanta. Estructurada amb la tensió d’un documental d’investigació, l’obra destaca pel seu rigor, seguint un patró cronològic des de diferents punts de vista en funció de l’escena narrada i els seus protagonistes. Com a cloenda, incorpora un complet annex cronològic que repassa, data a data, els moments i esdeveniments clau del conflicte.

    L’obra explora com el grup armat va instrumentalitzar i parasitar la legítima protesta antinuclear de l’època per imposar un règim d’extorsió, sabotatges i atemptats sagnants. A través d’un enfocament coral, el còmic rescata la memòria i els rostres de les víctimes mortals —com els enginyers José María Ryan i Ángel Pascual, o els treballadors de la central Andrés Guerra, Alberto Negro i Ángel Baños— i mostra les dramàtiques seqüeles humanes en les seves famílies i en la societat basca.

    Un dels llibres referenciats al còmic és Euskadi en duelo. La central nuclear de Lemóniz como símbolo de la transición vasca (2012), de Raúl López Romo, editat per la Fundación 2012 Fundazioa (disponible de forma gratuïta en Internet). López Romo (doctor en Història Contemporània i investigador del Instituto Valentín de Foronda) analitza la intensa controvèrsia generada al voltant de la central nuclear de Lemóniz (Biscaia) entre 1972 i 1982. L’autor sosté que el conflicte de Lemóniz va ser «molt més que una disputa mediambiental o energètica: va funcionar com un veritable símbol i mirall de les tensions polítiques de la Transició al País Basc».

    Lluny de limitar el focus al debat estrictament energètic o mediambiental, l’assaig demostra com «una protesta veïnal pacífica i genuïna contra la central va ser progressivament segrestada i parasitada per l’estratègia terrorista d’ETA». A través d’un minuciós examen documental, López Romo exposa el tràgic xoc entre dues formes antagòniques d’entendre la vida pública durant la Transició: la via democràtica de la mobilització ciutadana davant la coacció exercida mitjançant bombes, sabotatges i els assassinats a sang freda de tècnics i treballadors. La principal virtut de l’estudi rau en la seva capacitat per desmuntar relats interessats, rescatar del silenci el dolor de les víctimes i oferir una radiografia precisa del clima d’asfíxia i fractura social que va tenallar Euskadi.

    Més que una mera crònica del passat, el llibre s’ha consolidat com un fonament indispensable per entendre com la violència política va condicionar la democràcia al País Basc i com una font documental primària sobre la qual avui se sustenten les noves narratives de la memòria històrica, entre les quals destaca el treball de Flórez i Sanna al còmic. El conflicte de la central nuclear de Lemóniz es va gestar a principis de la dècada de 1970, quan la companyia elèctrica Iberduero —amb l’aval del govern franquista i en el marc del Pla Elèctric Nacional— va aprovar la construcció d’una gran planta atòmica a la cala de Basordas, a la costa de Biscaia. Projectada sota la lògica tecnocràtica del règim, la decisió empresarial es va executar sense cap mena de consulta pública, avaluació d’impacte ambiental ni transparència, convertint des dels seus inicis aquesta infraestructura en un símbol de la imposició estatal i corporativa sobre el territori.

    Aquesta falta de legitimitat democràtica va transformar immediatament Lemóniz en el detonant d’una onada de contestació social. Durant els últims anys de la dictadura i l’inici de la Transició, una xarxa de comitès veïnals, grups ecologistes i col·lectius ciutadans va articular una mobilització pacífica multitudinària. La protesta no només qüestionava els riscos mediambientals i de seguretat de l’energia nuclear, sinó també un model de desenvolupament territorial dissenyat de forma centralitzada al marge de la ciutadania i de les naixents institucions basques.

    La via civil del moviment va saltar pels aires quan l’organització terrorista ETA va decidir instrumentalitzar la causa antinuclear per legitimar la seva estratègia de desestabilització del nou ordre democràtic. A partir de 1977, la banda armada va llançar una sistemàtica campanya d’atemptats, extorsió i sabotatges contra la central i les seves empreses proveïdores, escalant cap al terrorisme directe contra les persones. Aquesta via violenta va culminar amb el segrest i assassinat de l’enginyer cap de les obres, José María Ryan, el 1981, el posterior assassinat del seu successor, Ángel Pascual Mújica, el 1982, i la mort de diversos treballadors a la mateixa planta.

    L’espiral de terror va atemorir les plantilles, va fracturar la societat basca i va acabar per paralitzar per complet els treballs a la central, la viabilitat de la qual va quedar definitivament descartada després de la moratòria nuclear aprovada pel Govern de Felipe González el 1984. En l’anàlisi acadèmica actual, el cas Lemóniz roman com una fita paradigmàtica de la Transició: el punt de col·lisió on una decisió industrial i política opaca del tardofranquisme va donar origen a una protesta social legítima que va acabar sent segrestada i frustrada per la violència política.

    Flórez aposta per un relat centrat en els fets i en els protagonistes de tots dos bàndols, contextualitzant els fets en el marc de la situació política que transcorria en paral·lel en plena època final del franquisme i inici de la Transició, marcada per una actuació desbocada d’ETA de conseqüències funestes. Sanna realitza un treball destacat en blanc i negre, facilitant la lectura malgrat la complexitat que suposen els canvis d’escenari i el nombre d’intervinents —en la seva gran majoria, persones reals a les quals els autors dignifiquen i respecten en la seva exposició, en alguns casos, amb un tràgic final—. Només cal observar la coberta del còmic, amb una portada protagonitzada per dos personatges armats i encaputxats, i una contraportada amb un cadàver entre els arbustos al costat de la imatge dels edificis del complex de la central nuclear. Una instal·lació la indemnització de la qual van haver d’assumir els contribuents quan els polítics van decidir parar l’obra: el deute es va saldar després de dinou anys pagant a través dels impostos una quantitat milionària.

    La imatge de la contraportada simbolitza l’assassinat de l’enginyer cap d’explotació de les obres de la central nuclear, José María Ryan, casat i amb cinc fills, despietadament executat per ETA el 6 de febrer de 1981 quan tenia trenta-nou anys, després d’una setmana segrestat. Al còmic trobem a continuació una escena que dimensiona la por implícita entre tots els treballadors de la central, especialment entre els enginyers i, per tant, en els seus familiars més directes: «Després d’escoltar a la ràdio la notícia de l’assassinat de Ryan, María Ruiz Coto, esposa de l’enginyer d’Iberduero Javier Herrero, mor d’un atac de cor».

    El còmic també ens ha permès recordar que el 26 de juny de 1982 l’organització terrorista va col·locar una bomba al magatzem d’Iberduero a Renteria, i un cúmul de negligències va provocar que esclatés quan passava un nen de deu anys just al costat, amputant-li una cama i deixant-lo cec d’un ull. Alberto Muñagorri reflexiona ara, amb el pas del temps, sobre la seva tràgica experiència en una breu resposta recollida al final del còmic: «A les vuit hores de l’atemptat, quan jo estava a l’hospital encara entre la vida i la mort, la meva mare va anar a recollir els meus germans a Renteria i es va haver d’empassar una manifestació que cridava “Gora ETA militarra!” davant de casa meva» (en castellà, «Viva ETA militar!»); i sobre el que va passar a continuació: «Si hi va haver gent que es va acostar als meus pares per dir-los que sentien molt el que havia passat, però suport del poble com a tal no n’hi va haver», cosa que saben molt bé les vídues i orfes dels treballadors morts en els atemptats, tal com queda reflectit al còmic. «La gent, una vegada ocorregut l’atemptat, només es va preocupar que els seus fills no li donessin una puntada de peu a res. Aquest no era el problema, el problema era que es posaven bombes», i això ho sap molt bé l’Alberto, que sempre va dir que no va arribar a tocar la caixa del terra, simplement va passar per allà sense que ningú li ho impedís.

     Lemóniz. Eta y el movimiento antinuclear
    Florentino Flórez y Guillermo Sanna
    Norma editorial, 2026

  • Una lliçó d’empatia i pedagogia sobre la realitat sorda

    Una lliçó d’empatia i pedagogia sobre la realitat sorda

    Aquí tienes la versión en castellano

    En la 23a edició del Festival Nits de Cinema Oriental de Vic (o en su nombre internacional, Asian Summer Film Festival, ASFF), celebrada del 14 al 19 de juliol de 2026, s’ha projectat un total de 38 llargmetratges i 6 curts, tots en versió original amb subtítols en català a excepció d’una preestrena especial, en concret la pel·lícula Doraemon: Aventures en el món de l’art (Eiga Doraemon: Nobita no Esekai Monogatari, 2025), que es va poder veure amb doblatge en català. El director del festival, Quim Crusellas Padrós, responsable de la programació juntament amb Domingo López, va indicar en la cloenda que «el festival destaca, edició rere edició, per la gran quantitat d’estrenes que programa, i ja s’ha convertit en una important finestra d’exhibició de cinema asiàtic al continent europeu. En aquesta edició hi ha hagut 33 estrenes en total, entre les quals n’hi ha onze d’internacionals i una de mundial». Dit d’una altra manera, hi ha un film asiàtic que s’ha exhibit en públic per primera vegada en el marc del festival, i n’hi ha onze que ho han fet per primera vegada fora dels seus països d’origen.

    El jurat oficial del festival estava format pel director de cinema català d’ascendència xinesa Jiajie Yu, que hi ha presentat dos curtmetratges; l’actor català d’ascendència coreana Alberto Jo Lee, que també hi ha presentat un curt; i l’especialista en promoció audiovisual, Carme Puig. El jurat va atorgar el Gran Premi del Festival a la pel·lícula hongkonesa The Way We Talk (Hon ngo gamtin zaammo syut, 2024), dirigida per Adam Wong, destacant en la decisió el valor de la producció, centrada «en donar visibilitat i representació a la comunitat sorda, pel seu retrat tendre de l’amistat i de la fidelitat a un mateix, i per explicar de manera bella i lluminosa el viatge d’autodescoberta dels seus tres protagonistes». La pel·lícula és un emotiu drama d’iniciació i aprenentatge que explora la identitat, l’acceptació i la comunicació a través de les experiències de tres joves sords al Hong Kong contemporani.

    La cinta s’endinsa en les vides de la Sophie, l’Alan i en Wolf, tres joves que experimenten la seva sordesa des de perspectives diametralment oposades. Mentre la Sophie i l’Alan —tots dos amb implants coclears— han crescut esforçant-se per encaixar en el món normooidor mitjançant l’ardu aprenentatge de la llengua oral, en Wolf abraça el seu silenci comunicant-se en exclusiva a través de la llengua de signes i perseguint, contra tota barrera, el seu anhel de ser instructor de submarinisme.

    El punt d’inflexió en la història arriba quan la Sophie, acabada de graduar, aconsegueix la seva primera feina corporativa en una companyia d’assegurances i descobreix amb profunda frustració que és utilitzada com una simple «mascota» d’inclusió per rentar la imatge de la firma, la qual cosa desdibuixa el seu desig de ser tractada com una persona més. Aquesta crisi personal l’empeny a retrobar-se amb l’Alan i a conèixer en Wolf, els quals li obren les portes a la llengua de signes i a una comunitat i forma d’expressió que li resultaven completament alienes.

    A mesura que les vides de tots tres s’entrecreuen, aquest viatge d’autodescoberta desencadena intenses tensions i debats sobre la identitat, plantejant tant als protagonistes com a l’espectador un dilema existencial: el constant conflicte entre desgastar-se forçant la integració en una societat dissenyada per a oïdors o reivindicar amb orgull la pertinença a la cultura sorda, en una actualitat molt influïda pels avenços tecnològics, que han suposat un gran progrés pel que fa als implants coclears.

    La projecció de la pel·lícula al Centre d’Arts Escèniques L’Atlàntida, una de les seus del festival, va comptar amb la col·laboració de l’Agrupació de Sords de Vic i Comarca, una entitat sense ànim de lucre l’activitat de la qual va començar el 1972, dedicada a defensar els drets i millorar la qualitat de vida de les persones amb discapacitat auditiva. Amb la fita d’assolir una integració i participació social plenes, l’associació impulsa diverses activitats culturals, esportives i de formació, a més de facilitar als seus socis l’accés a informació vital sobre recursos i ajuts. Com a eix central de la seva tasca, l’agrupació manté una lluita activa per erradicar les barreres de comunicació persistents en la societat, promovent el desenvolupament individual i la visibilitat col·lectiva de la comunitat sorda.

    En acabar la projecció de la pel·lícula, es va celebrar una trobada amb els membres de l’agrupació presents a la sala, amb la participació, entre d’altres, del president, David Puigsasllosas, i la col·laboració de Judit Farrerons, que va actuar com a intèrpret de llengua de signes, facilitant la comunicació entre tots els presents. Els assistents a aquesta trobada vam poder escoltar de primera mà algunes de les reivindicacions que plantejaven els membres de l’agrupació davant les barreres habituals que troben en la seva vida quotidiana i laboral. La sessió es va convertir en un gran exercici pedagògic perquè les persones oïdores presents al recinte compressin la realitat de les persones sordes, des d’una vessant social, educativa i familiar.

    Un dels conceptes clau per comprendre les barreres a les quals s’enfronten les persones sordes és l’anomenada «privació lingüística». Aquesta condició sorgeix quan un menor no té un accés fluid i continu a una llengua natural —sigui parlada o signada— durant el seu període crític de desenvolupament cognitiu, que abasta aproximadament els primers cinc anys de vida. Atès que més del 90 % dels infants sords neixen en el si de famílies oïdores, les intervencions mèdiques solen prioritzar l’oralització i l’ús de tecnologia auditiva com els implants coclears. Així i tot, quan aquestes eines no aconsegueixen proporcionar una comprensió completa de la parla i es posposa l’ensenyament de la llengua de signes, el menor queda immers en un profund buit comunicatiu.

    Les conseqüències d’aquest fenomen van molt més enllà d’un simple retard en la parla, i afecten directament el desenvolupament neurològic i socioemocional de la persona. En l’estudi titulat Language Deprivation Syndrome: a possible neurodevelopmental disorder with sociocultural origins ([Síndrome de privació lingüística: un possible trastorn del neurodesenvolupament amb orígens socioculturals], 2017), els investigadors Hall, Levin i Anderson van encunyar el terme «síndrome de privació lingüística», demostrant com l’absència d’un codi lingüístic precoç altera les funcions mecenes del cervell —com la memòria de treball i la resolució de problemes— i dificulta el desenvolupament de la teoria de la ment, imprescindible per entendre les emocions alienes. Els autors conclouen que les dificultats cognitives i de salut mental observades en part de la població sorda no són un resultat biològic inherent a la manca d’audició, sinó la conseqüència directa d’una barrera sociocultural que priva la infància de l’accés immediat a la comunicació.

    En les diferents intervencions es va destacar com el subtitulat per a persones sordes és una de les disciplines més complexes de la traducció audiovisual, ja que transcendeix la simple conversió de veu a text. Com adverteix la investigadora Josélia Neves en el seu influent treball 10 Voices within Subtitling for the Deaf and Hard of Hearing ([10 veus en el subtitulat per a persones sordes i amb discapacitat auditiva], 2008), el verdader repte d’aquesta disciplina rau a «reescriure el paisatge sonor». Per al professional, l’objectiu no és només traslladar les paraules, sinó plasmar els tons de veu, les intencions, la música i els efectes acústics clau que generen tensió o emoció en una pel·lícula, aconseguint condensar tota aquesta informació sense saturar la pantalla.

    En la pràctica quotidiana, aquest ofici s’enfronta a seriosos dilemes tècnics i lingüístics. D’una banda, ha de resoldre la identificació clara de qui parla mitjançant colors o posicions en pantalla, especialment quan els personatges estan fora de camp. De l’altra, es lliura un constant debat entre la fidelitat literal del text i la necessitat d’editar-lo per no superar la velocitat de lectura recomanada. Atès que la llengua escrita funciona com una segona llengua per a moltes persones sordes signants, un excés de text per segon produeix fatiga visual i distreu de l’experiència estètica de la imatge. A això s’hi suma l’enorme heterogeneïtat de l’audiència receptora. Dissenyar un estàndard inclusiu que contempli aquestes realitats tan diverses continua sent un dels grans desafiaments ètics i tècnics del cinema accessible.

    A la pel·lícula hi ha una escena que sorprèn enormement l’espectador, quan la mare d’una nena sorda li tapa els ulls al carrer perquè no vegi dos nens sords mentre parlen entre ells mitjançant la llengua de signes. En realitat forma part d’una denúncia explícita a l’inici de la pel·lícula, quan l’any 2004 la política d’oralitat a les escoles prohibia terminantment a les persones sordes que utilitzessin aquesta modalitat de comunicació. Si es realitza un implant coclear com a la protagonista de la pel·lícula, s’agreuja aquesta situació, en limitar-se completament la possibilitat de comunicar-se mitjançant el llenguatge signat.

    L’implant coclear és un dispositiu electrònic implantat quirúrgicament que substitueix la funció de l’oïda interna danyada, transformant les ones sonores en senyals elèctrics que estimulen directament el nervi auditiu. Lluny de constituir una «cura» miraculosa o una solució automàtica per a la sordesa, el seu èxit depèn d’un llarg i exigent procés de rehabilitació logopèdica i reentrenament cerebral, amb resultats molt diferents en cada cas particular. A més dels seus reptes tècnics, l’implant comporta profundes implicacions socioculturals i ètiques: mentre la medicina el presenta com un pont indispensable cap a l’entorn oïdor, en el si de la comunitat sorda desperta un intens debat d’identitat, en existir el temor que una visió purament patològica de la sordesa desplaci la llengua de signes i la riquesa cultural d’aquest col·lectiu. Aquests dilemes morals que apareixen a la pel·lícula The Way We Talk van contribuir que també guanyés el Premi del Público-Gat de la Sort al festival, categoria en la qual va quedar finalista la pel·lícula d’animació The Last Blossom (Housenka, 2025).

    The Last Blossom va guanyar també el Premi de la Crítica del Festival. Dirigida pel cineasta japonès Baku Kinoshita, que coescriu el guió amb Kazuya Konomoto, la pel·lícula és un íntim i melancòlic drama criminal que combina el cinema de yakuza amb el realisme màgic. Produïda pel prestigiós Studio CLAP i distribuïda en castellà i català per Jonu Media, la trama situa l’espectador a la cel·la d’aïllament on Akutsu, un avi i exmembre de la yakuza, compleix cadena perpètua a l’espera dels seus últims dies, acompanyat únicament per una flor de bàlsam (hōsenka) arrelada en una llauna que, en un gir surrealista, li comença a parlar. A través de les seves àcides i contemplatives converses amb la planta, el protagonista empren un viatge introspectiu cap a l’estiu de 1987, rememorant el seu passat com un criminal de poca volada atrapat entre la violència de l’hampa i l’afecte genuí per una mare soltera i el seu fill. Atrapat en una xarxa de falses lleialtats i traïcions, Akutsu orquestra un arriscat cop contra la seva pròpia banda per salvar la família que va triar.

    En la tradició espiritual i teatral d’Àsia, la màscara mai no ha estat un mer instrument d’ocultació, sinó un poderós catalitzador de transformació. Així ho reivindica el Festival Nits de Cinema Oriental de Vic en el seu lema conceptual d’aquesta edició, prenent com a referent el teatre Noh japonès: la màscara no emmascara la realitat, sinó que la transforma mitjançant un joc de llums i ombres per projectar estats emocionals profunds i veritats invisibles a simple vista. Aquesta mateixa premissa sembla bategar al cor de The Last Blossom, que encarna a la perfecció aquesta complexa dualitat del rostre humà. Atrapat durant dècades rere la ferotge màscara del crim organitzat, el viatge introspectiu del protagonista cap al seu passat revela que sota la cuirassa del delinqüent sempre van coexistir la tendresa, el sacrifici i un desesperat anhel de redempció per salvar la seva família triada. Al igual que l’esperit kitsune i les màscares tradicionals que vertebren la identitat del certamen, l’obra de Kinoshita utilitza la fantasia i el record no per amagar la culpa, sinó per entreteixir un madur relat de delicada estètica sobre les decisions irreversibles i la cerca de la pau interior al final de la vida.

  • Màscares animals contra el biaix polític: còmic i la crueltat descarnada de la guerra

    Màscares animals contra el biaix polític: còmic i la crueltat descarnada de la guerra

    Aquí tienes la versión en castellano

    El 2017, els sociòlegs Jack Levin i Arnold Arluke, de la Northeastern University, van publicar un estudi fonamental titulat Are People More Disturbed by Dog or Human Suffering?: Influence of Victim’s Species and Age ([Ens pertorba més el sofriment d’un gos o el d’un humà?: Influència de l’espècie i l’edat de la víctima]). Van posar a prova centenars de participants amb notícies falses sobre agressions brutals. Les víctimes variaven: un nadó humà, un adult humà, un cadell i un gos adult. Els resultats van mesurar els nivells de commoció i compassió percebuda per part de tots els subjectes d’estudi.

    D’aquesta manera, es va descobrir que les reaccions davant el maltractament d’un nadó, un cadell i un ca adult eren pràcticament idèntiques, deixant l’home adult en l’últim lloc de l’escala d’afectivitat. Això confirma que la societat percep els cans, sense importar la seva edat, com a éssers completament indefensos i dependents —equiparables als nens—, fet que ens porta a experimentar un major desemparament i indignació davant el seu dolor que enfront del d’un semblant madur capaç de defensar-se. En definitiva, l’estudi va demostrar que la solidaritat emocional humana no es regeix per l’espècie, sinó per la vulnerabilitat percebuda. En veure un adult humà patir a la guerra, el cervell assumeix subconscientment que «alguna cosa deu haver fet» o que pot valer-se per si mateix.

    Aquesta investigació, àmpliament difosa als mitjans generalistes per la seva sorprenent conclusió, va arribar a mans del prolífic guionista estatunidenc Rick Remender, qui es va proposar que, si en el futur escrivia una història de guerra, els seus personatges serien animals antropomòrfics. En convertir els soldats i civils en animals, Remender va pensar que aconseguiria que els percebéssim automàticament amb la mateixa desprotecció que a un nen o a una mascota, disparant una identificació visceral instantània.

    L’oportunitat d’aplicar aquesta decisió va arribar quan va decidir inspirar-se en la història del seu avi patern. Es tractava d’una vivència que ell desconeixia per complet i que va descobrir després de la mort del seu pare en buscar als arxius familiars. Allà va topar amb antics retalls de premsa que documentaven «el seu distingit servei a les Forces Aèries durant la Segona Guerra Mundial: s’hi detallaven els seus reconeixements i contribucions crucials a la derrota de Rommel al nord d’Àfrica… gestes de les quals mai havia tingut notícia».

    El gran problema de les històries d’aquest conflicte és el biaix polític i històric del lector. Si el protagonista és un soldat estatunidenc, un lector occidental connectarà d’immediat; si és un soldat alemany, el cervell activarà defenses ideològiques, judicis morals i prejudicis històrics automàtics (el que en psicologia social es coneix com a biaix endogrupal/exogrupal). Abordar les atrocitats de la contesa a través de vinyetes protagonitzades per gossos antropomòrfics podria semblar un intent de suavitzar el relat, però la teoria literària demostra que l’impacte psicològic és diametralment oposat.

    Com va analitzar la investigadora Suzanne Keen en el seu cèlebre estudi Fast Tracks to Narrative Empathy: Anthropomorphism and Dehumanization in Graphic Narratives ([Vies ràpides cap a l’empatia narrativa: antropomorfisme i deshumanització en les narratives gràfiques], 2011), l’ús d’animals humanitzats al còmic funciona com un ressort emocional immediat. En desposseir la guerra dels prejudicis històrics o de la dessensibilització que a vegades patim davant el dolor humà real, aquestes figures canines enderroquen les nostres defenses psicològiques. Veure un ca patir a la trinxera o sota l’opressió d’un règim totalitari no infantilitza la tragèdia, sinó que la purifica, obrint un canal directe cap a una compassió descarnada i universal que ens connecta amb l’horror del passat d’una forma que la crua realitat, a vegades, ja no aconsegueix.

    Keen demostra que l’antropomorfisme elimina les barreres geopolítiques. En transformar els bàndols en diferents espècies animals, es reinicien els prejudicis del lector: ja no es jutja un soldat d’una nacionalitat específica contra una altra, sinó que s’observa un ésser viu patint en un entorn hostil. Això permet que el dilema moral —la crueltat pura de la guerra— arribi al lector sense el filtre de les seves pròpies opinions polítiques, un aspecte fonamental si volem potenciar el que en literatura es coneix com a «efecte de distanciament». Si una història mostra un nivell de violència explícita massa realista en humans, el cervell del lector pot arribar a un punt de saturació o trauma, activant un mecanisme de defensa que el desconnecta emocionalment de l’obra («és massa sang, no vull veure això»).

    No obstant això, en usar animals, es crea una distància estètica segura. El cervell sap que és una al·legoria. En abaixar la guàrdia perquè «són dibuixos d’animals», el lector permet que la història s’infiltri en la seva ment. Una vegada dins, l’impacte de la violència es torna molt més cru i reflexiu, perquè el lector no veu venir el cop emocional. És exactament el mateix fenomen que va consagrar el còmic Maus (1986, 1991), d’Art Spiegelman, com l’obra mestra definitiva sobre l’Holocaust, la qual cosa el va convertir en la primera novel·la gràfica mereixedora d’una Menció Especial dels Premis Pulitzer el 1992.

    L’Efecte de Distanciament (conegut en alemany com a Verfremdungseffekt o V-Effekt, i a vegades traduït com a «efecte d’alienació») és un dels conceptes més revolucionaris de la teoria teatral i literària del segle XX. Va ser desenvolupat pel dramaturg i poeta alemany Bertolt Brecht (1898-1956) a la dècada de 1930 com la pedra angular del seu Teatre Èpic. El seu objectiu fonamental no era entretenir passivament el públic, sinó transformar-lo en un observador crític i polític. Bàsicament, Brecht no volia que ploressis amb el protagonista; volia que t’indignessis amb el sistema que el feia patir.

    Brecht va teoritzar per primera vegada aquest concepte després de veure actuar a Moscou (el 1935) el cèlebre actor de l’Òpera de Pequín, Mei Lanfang (1894-1961), publicant posteriorment l’article Verfremdungseffekte in der chinesischen Schauspielkunst ([Efectes de distanciament en l’art dramàtic xinès], 1937) a la revista avantguardista alemanya Das Wort (1936-1939), editada a Moscou per l’exili contra el règim nazi. Aquest text es pot trobar a la recopilació Escritos sobre teatro (1933-1947), publicat en castellà per Alba Editorial amb traducció de Genoveva Dieterich.

    Per entendre la revolució teatral de Bertolt Brecht cal comprendre primer contra què lliurava la seva particular guerra: el drama clàssic d’herència aristotèlica, aquell que buscava que l’espectador oblidés que era en una sala de teatre, s’identifiqués cegament amb l’heroi i alliberés tensions mitjançant la pura empatia emocional. En lloc d’atrapar-nos en la història, Brecht ens n’expulsa constantment, destrossant la il·lusió cognitiva amb subtils recordatoris que el que veiem és una mentida; aplica a més el concepte de «fer estrany allò familiar» per descontextualitzar injustícies quotidianes com la pobresa o la guerra i obligar-nos a qüestionar-les en comptes de normalitzar-les; i, finalment, dinamita el suspens rebentant el final de les escenes mitjançant cartells perquè deixem de patir pel «què passarà?» i comencem a analitzar científicament el «per què passa així?». Entre altres recursos, mostrava clarament els focus de l’escenari, a la vista de tots els espectadors, per recordar-nos que «el teatre no és un refugi per evadir-se, sinó un mirall per pensar»… com ho és ara el còmic.

    Norma Editorial publica el maig de 2026 el primer volum recopilatori del còmic Escape 1 (Escape, 2025-2026), de Rick Remender i el dibuixant Daniel Acuña, amb traducció al castellà d’Hernán Migoya. Als Estats Units, l’obra està publicada per Image Comics, l’editorial independent més important del sector. De manera més específica, el còmic surt sota l’aixopluc de Giant Generator, el segell exclusiu propietat del mateix autor dins d’Image, dissenyat per llançar novel·les gràfiques de primer nivell amb control absolut per part dels creadors.

    El segell funciona sota la premissa de convidar els millors dibuixants del món per cocrear projectes amb total llibertat de temps, sense les presses ni les interferències de les grans editorials. Aquestes condicions resulten fonamentals per produir obres de gran qualitat, permetent que els autors mantinguin el control del procés creatiu i la propietat absoluta del resultat final. Un model que, a més, transforma els beneficis econòmics: en lloc de cobrar una tarifa fixa per pàgina com a la indústria convencional, els creadors es queden amb els dividends directes de les vendes, multiplicant exponencialment els seus guanys potencials si l’obra triomfa a les llibreries o salta a la pantalla.

    Sota aquestes condicions d’absoluta sobirania artística, Remender no va dubtar a reclutar el dibuixant Daniel Acuña per convertir-se en una de les peces clau del segell, confiant-li l’apartat visual d’aquest ambiciós projecte bèl·lic, Escape. Aquesta sinergia creativa en el còmic independent es va gestar durant anys, quan van treballar junts a Marvel Comics en els mítics números de la col·lecció Imposibles Vengadores (Uncanny Avengers, 2013-2015), publicats en castellà per Panini Cómics. Aquell treball conjunt va ser catalogat per la crítica especialitzada com una autèntica delícia visual, una obra on el traç dens, l’espectacular composició de pàgina i la il·luminació gairebé a l’oli d’Acuña van elevar el relat a la categoria d’èpica moderna; no obstant això, aquella enlluernadora labor pictòrica també va patir les condicions de la maquinària industrial, obligant el dibuixant murcià a bregar amb l’implacable calendari mensual de les grans corporacions.

    L’estil pictòric, atmosfèric i detallista d’Acuña, originari de la ciutat d’Águilas (Múrcia), on ha desenvolupat la seva carrera professional, pot veure’s ara en tota la seva esplendor després de més de tres anys des de la concepció del projecte, i més de dos de dedicació exclusiva a aquesta obra. Norma Editorial ha apostat per destacar el treball gràfic en publicar, al costat del primer número, un volum especial: Escape: El arte de la guerra (2026), que conté el primer episodi dels sis que formen el tom, però deixant les vinyetes sense cap bafarada de text, amb l’objectiu de poder gaudir completament de l’art d’Acuña. La publicació conté sengles entrevistes als dos autors, fotografies originals de l’avi de Remender, notícies relacionades amb la seva participació en la contesa mundial, així com el disseny de personatges i pàgines de mostra de guió i llapis.

    L’ecosistema de Giant Generator ha suposat l’escenari perfecte, ja que li ha permès a Acuña disposar del temps necessari per madurar cada vinyeta, modelar el disseny de producció d’un univers propi des de zero i esprémer la seva personalíssima paleta cromàtica, explotant al màxim la temperatura i la saturació del color per dotar d’una atmosfera orgànica les pàgines, tant per a les escenes de guerra com per a les imatges del passat del pilot protagonista. Amb les fulles ja definitives, es demostra que el talent artesanal s’expressa en la seva millor versió quan se li concedeix el control total dels seus propis ritmes i se l’allibera de la cotilla del rigor històric, en crear un univers de ficció singular.

    El disseny de producció visual de l’obra es manifesta en tota la seva esplendor en vertebrar la trama al voltant d’una amenaça tecnològica colpidora: un colossal canó nazi inspirat en l’històric Schwerer Gustav (el «Gran Gustav»), la mítica peça d’artilleria ferroviària de 800 mil·límetres. En rescatar aquest monstre de l’enginyeria del Tercer Reich, Remender i Acuña no només injecten un rigor documental esfereïdor en el relat, sinó que eleven el conflicte a una dimensió de terror absolut. Aquest fetitxe de destrucció massiva, col·locat a l’horitzó dels protagonistes, deixa de ser un simple recurs de suspens i es converteix en l’escenari o l’objectiu tàctic ideal per a una missió desesperada, reflectint l’obsessió industrial nazi a escala massiva.

    En vestir els seus personatges amb rostres d’animals en un escenari bèl·lic hiperrealista, Escape no només es consolida com un triomf estètic, sinó com una sofisticada reactivació de l’efecte de distanciament de Bertolt Brecht. Aquesta audaç decisió formal troba la seva perfecta justificació científica en els estudis sociològics de Levin i Arluke sobre la sensibilitat col·lectiva vers el sofriment animal, i es recolza en el que la teòrica Suzanne Keen defineix com a «empatia narrativa transespecífica»: en desposseir el lector dels prejudicis racials, polítics o geogràfics inherents a les faccions humanes, el còmic ens obliga a fer un pas enrere i processar l’horror de la guerra des d’una perspectiva purament racional i desfamiliaritzada. En última instància, Escape ens expulsa de la comoditat de l’espectador passiu per recordar-nos la lliçó més pura del V-Effekt: a vegades és necessari «fer estrany allò familiar» a través d’una màscara animal perquè, a la fi, puguem comprendre la veritable i descarnada naturalesa de la nostra pròpia condició humana.

    Escape

    Escape: el arte de la guerra

    Rick Remender y Daniel Acuña

    Norma Editorial, 2026

  • Memòria gràfica d’un supervivent de la Lleva del Biberó

    Memòria gràfica d’un supervivent de la Lleva del Biberó

    Aquí tienes la versión en castellano

    Federica Montseny (1905-1994) va ser ministra de Sanitat durant la Segona República, i es va convertir en la primera dona a ocupar un càrrec ministerial a Espanya i una de les primeres a Europa. Tot just va estar sis mesos al capdavant del Ministeri, entre el 4 de novembre de 1936 i el 17 de maig de 1937, tot i que se la recorda per la seva ambició en els projectes impulsats, d’acord amb el seu activisme anarcosindicalista des que es va afiliar a la CNT el 1931. L’esdevenir de la guerra, juntament amb els seus escrits i posicionament polític, la va portar a un inevitable exili a França. A ella se li atribueix la frase: «Disset anys? Però si encara han de prendre el biberó», quan va veure l’aspecte de les lleves de la primavera del 1938 al territori que encara controlava l’Espanya republicana.

    Després dels sagnants enfrontaments interns del bàndol republicà a Barcelona (coneguts com «els Fets de Maig de 1937»), el govern del socialista Francisco Largo Caballero va caure i Juan Negrín va assumir la direcció del Govern, fet que va deixar els ministres anarquistes fora del gabinet. Un any després, l’abril del 1938, la República es trobava amenaçada per les tropes de Franco, que havien aconseguit partir en dos el territori republicà en arribar al Mediterrani. Negrín va prendre una mesura desesperada: mobilitzar la Lleva de 1941. Eren nois nascuts el 1920 i 1921 als quals legalment els faltaven tres anys per fer el servei militar; a la pràctica, eren nens de disset i divuit anys als quals la infància se’ls va acabar de cop.

    S’estima que van ser cridats a files més de 30.000 adolescents. La crònica popular explica que la històrica líder anarquista Federica Montseny, en veure les fileres de soldats imberbes, prims i espantats concentrats a Barcelona, va exclamar, trencada per la pena, aquesta cèlebre frase que va acabar batejant-los per sempre com «la Lleva del Biberó». El sobrenom, agredolç i tràgic, va arrelar d’immediat al carrer i a les trinxeres, per bé que la propaganda oficial preferís anomenar-los falsament «els braus i heroics nois». Gairebé sense temps per aprendre a disparar o assimilar la disciplina militar, aquests joves van ser enviats directament al front.

    La Batalla de l’Ebre no va ser un combat més de la Guerra Civil; va ser l’autèntic punt d’inflexió del conflicte. Entre juliol i novembre de 1938, el curs baix del riu es va convertir en un escenari de malson que va abastar des de la Terra Alta, a l’oest de Tarragona, fins a Mequinensa, a Saragossa. Per entendre’n la magnitud, només cal mirar les dades: va ser, de bon tros, la batalla que més soldats va mobilitzar, la que més temps va durar i una de les més salvatges i sagnants dels tres anys de guerra. Tots dos bàndols sabien la importància del conflicte i el que suposaria una derrota, fet que va deixar un balanç esfereïdor de més de 20.000 morts i prop de 60.000 ferits en total. Per a la República va ser un cop dur, en perdre-hi els seus millors homes i gairebé tot el seu material bèl·lic, deixant així indefens el territori.

    El que es va decidir a l’Ebre durant aquells quatre mesos d’infern va ser, ni més ni menys, el final de la mateixa Guerra Civil. Només dos mesos després, el gener del 1939, les tropes franquistes entraven a Barcelona gairebé sense resistència. El destí de la guerra estava segellat. Aquest camí pràcticament lliure per a l’exèrcit revoltat s’havia aconseguit gràcies als bombardejos diaris que van suportar els republicans, amb una aclaparadora superioritat aèria que al final va ser decisiva. La Lleva del Biberó no lluitava per ideologia; la immensa majoria hi anava per obligació legal. La seva resistència va ser titànica, però el cost humà va resultar devastador: milers d’ells no van tornar mai a casa, i els que hi van sobreviure es van enfrontar als camps de concentració francesos o a les presons del franquisme. Els més afortunats van haver de fer un servei militar durant quatre anys un cop acabada la contesa.

    Aquest va ser el destí de Gabriel León Honrubia (1920-2021), supervivent de la Batalla de l’Ebre i de la mítica lleva, el qual és el protagonista absolut d’un curt, d’un documental i de la novel·la gràfica Aquí donde estoy (2025), amb guió de María Castro Hernández i dibuix de Tyto Alba, publicada per Astiberri Ediciones. L’obra acaba de ser reconeguda amb el Premi Memòria Històrica Splash 2026 atorgat per l’Ajuntament de Sagunt, un guardó que es lliurarà en la XIII edició del Festival de Còmic que se celebrarà en aquest municipi, del divendres 20 fins al diumenge 22 de novembre.

     

    El títol en les tres obres citades fa referència a la frase que feien servir els soldats en les seves cartes per amagar la seva posició real al front: «… Aquí donde estoy…», com es documenta a més en algunes de les cinquanta-quatre cartes que guardaven en Gabriel i la seva família, les quals van intercanviar durant el seu intens allistament, i que ara constitueixen un testimoni de gran valor històric. L’origen d’aquest destacat projecte de divulgació de la memòria històrica sorgeix el 2019 quan l’escriptora María Castro descobreix que el besoncle d’una amiga seva va ser «biberó» i que encara era viu.

    Després de concertar una entrevista amb la família, sense gaire esperança a causa de la seva avançada edat, descobreix afortunadament una persona molt vital i amb un gran sentit de l’humor, una memòria prodigiosa i ganes d’explicar la seva experiència personal. I no només això: en Gabriel també es va apuntar a les visites als indrets on va tenir lloc la Batalla de l’Ebre, procés recollit als documentals i a la novel·la gràfica. En aquesta darrera hi apareix un coprotagonista inesperat que fa de contrapunt a la figura clau del relat. Castro va preguntar al seu fill adolescent, estudiant de batxillerat, si volia acompanyar-la a conèixer en Gabriel, i ell va acceptar encantat. Al còmic, el lector assistirà perplex a una escena que mostra com s’explica la Guerra Civil a les aules en l’actualitat i l’actitud burlesca d’alguns dels estudiants del grup davant la història que van viure els seus avis.

    El jove tenia en aquell instant l’edat d’en Gabriel quan va ser cridat a files. Les xerrades de tots dos, recollides a la novel·la gràfica, ens presenten un ancià assenyat, no venjatiu —encara que parli dels fatxes sense amargor—, però sí amb un missatge clar i fort: el missatge que les guerres no serveixen per a res. Aquesta personalitat resilient i moral s’aprecia també en algunes de les anècdotes que explica, com quan va veure un dels seus amics de la infància fugint d’ell per tractar-se del fill d’un capità franquista, i va haver de perseguir-lo perquè, en atrapar-lo, li pogués dir que es tranquil·litzés, que ell no el mataria. No es podia imaginar en aquell moment que es capgirarien les tornes poc després.

    Es calcula que el 40 % dels seus companys van morir en aquells mesos. Com a mostra de la poca preparació o de les condicions en què lluitaven, en Gabriel explica les morts per foc amic provocat per la foscor o per les decisions improvisades dels comandaments, tot i que destaca per damunt de tot la mort d’un jove que va treure l’anella de la granada i no la va llançar perquè es va donar l’alto el foc; es va allitar amb ella a la mà i aquesta va esclatar al cap de pocs minuts, potser en descurar-se. Tot això és dibuixat per Tyto Alba de manera respectuosa, enfocant les vinyetes en els veritables protagonistes de la contesa, que no eren més que aquells joves que cridaven la seva mare a crits quan eren tocats al mig de la batalla. L’atmosfera opressiva per la tensió, el fred o la manca de visió es mostra de forma magistral, alternant els escenaris amb l’actualitat i humanitzant en Gabriel amb les seves petites mostres de sentit de l’humor.

    La guionista María Castro comenta a les entrevistes que potser aquesta determinació i aquest sentit de l’humor van ser els que el van mantenir viu durant la batalla i en silenci després de la guerra, emulant la idea que l’home ha de buscar un sentit que el tregui del trauma. Aquesta és una de les conclusions a què va arribar el psiquiatre austríac Viktor Frankl (1905-1997) i que va exposar en el seu reconegut assaig El hombre en busca de sentido (Ein Psycholog erlebt das Konzentrationslager, 1946), disponible en castellà gràcies a l’Editorial Herder, que va traduir directament el títol de la versió anglesa amb què s’ha popularitzat a escala internacional (Man’s Search for Meaning), allunyat de la traducció literal de l’alemany que significa Un psicòleg al camp de concentració.

    Frankl va estar presoner entre 1942 i 1945 en un total de quatre camps de concentració (Theresienstadt, Auschwitz, Kaufering i Türkheim). Durant aquest temps, el seu rol va combinar el sofriment de qualsevol altre presoner amb la seva vocació mèdica i psiquiàtrica. Com la resta, va haver de fer treballs forçats i va patir desnutrició. Tot i això, va poder donar atenció psiquiàtrica de manera clandestina als seus companys presoners. En aquestes condicions extremes de deshumanització, va observar un fet fascinant i tràgic: els presoners que tenien més probabilitats de sobreviure no eren necessàriament els més forts físicament, sinó aquells que tenien un motiu, un lligam amb el futur (un sentit) per continuar vius. Frankl explicava que, encara que els nazis podien treure-li tot a un home (la seva roba, el seu cabell, la seva identitat, el seu menjar), hi havia una sola cosa que ningú no li podia arrabassar: la llibertat d’escollir la seva pròpia actitud davant les circumstàncies.

    Gabriel León Honrubia és un bon exemple d’aquesta actitud que l’ha mantingut actiu durant un segle, i ara el seu testimoni queda recollit amb un valor inqüestionable, no només per les seves paraules, sinó també per aquestes cartes que apareixen seleccionades a la novel·la gràfica i que esdevenen un veritable tresor documental. Tot i que, per a la guionista, va resultar amarg un comentari d’en Gabriel quan es va adonar de l’abast que pot tenir tot el que li estaven gravant: «I tot això sortirà? A veure si vindran els fatxes a matar-me», donant per fet que encara queden persones que serien capaces de fer-ho.


    Aquí donde estoy. Un joven en la batalla del Ebro
    María Castro Hernández y Tyto Alba
    Astiberri, 2025

  • El superpoder de la invisibilitat: maduresa, gènere i l’esborrat social de les dones

    El superpoder de la invisibilitat: maduresa, gènere i l’esborrat social de les dones

    Si analitzem l’evolució de la nostra societat a través de les històries de ficció —ja sigui en la literatura, el cinema o el còmic—, salta a la vista un biaix sistèmic que l’acadèmia anomena «edatisme de gènere». El concepte gendered ageism descriu un procés d’exclusió i esborrat mitjançant el qual les dones, en assolir la barrera dels cinquanta anys, experimenten una gradual pèrdua d’estatus visual, polític i social. A diferència dels homes, la transició cap a la mitjana edat les situa en una posició de vulnerabilitat que l’acadèmia defineix formalment com la «invisibilitat social».

    El sosteniment teòric d’aquest fenomen es remunta al concepte fundacional del «doble estàndard de l’envelliment» formulat per Susan Sontag en el seu assaig The Double Standard of Aging (1972), accessible en castellà en l’actualitat en la compilació De las mujeres (2024), editada pel segell Debate. Sontag va argumentar que la maduresa es penalitza de forma asimètrica: mentre que l’envelliment masculí s’associa socialment amb l’acumulació de prestigi, autoritat i experiència, el femení es mesura de manera punitiva en funció de la pèrdua del capital estètic i de la capacitat reproductiva, sent empesa a una invisibilitat social. Aquesta marginació cultural constitueix en realitat una injustícia estructural que, paradoxalment, emula un superpoder en la ciència-ficció.

    Estudis recents han classificat exactament com experimenten les dones aquesta manca de reconeixement. Cal destacar el treball de la professora de la York Law School, Sue Westwood, en especial l’estudi que analitza qualitativament dones d’entre 50 i 89 anys. El resultat es pot llegir en l’article “It’s the not being seen that is most tiresome”: Older women, invisibility and social (in)justice ([“El més esgotador és no ser vista”: Dones grans, invisibilitat i (in)justícia social], 2023), en el qual demostra que aquesta problemàtica no es tracta d’una mera percepció subjectiva, sinó d’una realitat que es manifesta de cinc formes molt clares: «la infrarepresentació en els mitjans, ser ignorades en espais de consum i llocs públics, ser dessexualitzades per complet, i patir el fenomen de convertir-te en “àvia”, un reduccionisme identitari que assimila la dona major de cinquanta anys de forma exclusiva als rols de cura familiar, desposseint-la de les seves facetes professionals, intel·lectuals o individuals».

    Aquesta penalització del cos madur empeny les dones a allò que les professores de la University of Cambridge, Laura Hurd Clarke i Meridith Griffin, defineixen com a «treball de bellesa» (beauty work). En el seu article Visible and invisible ageing: beauty work as a response to ageism ([Envelliment visible i invisible: el treball de bellesa com a resposta a l’edatisme], 2008), descriuen el resultat d’una investigació amb dones d’entre 50 i 70 anys, orientada a analitzar els arguments per recórrer «al tint per al cabell, el maquillatge, la cirurgia estètica i els procediments estètics no quirúrgics». Els resultats van constatar que les motivacions subjacents són «la lluita contra la invisibilitat, l’aparença com una inversió de per vida, el desig d’atreure o mantenir una parella sentimental i l’edatisme en l’àmbit laboral». Les autores de l’estudi sostenien que les experiències de les dones posen de manifest una tensió entre ser físicament i socialment visibles en virtut d’un aspecte juvenil, i les realitats pròpies de l’envelliment. En altres paraules, «la invisibilitat social es deriva de l’aparició dels signes visibles del pas del temps i les empeny a fer que la seva edat cronològica sigui imperceptible mitjançant aquestes pràctiques estètiques».

    Aquesta invisibilitat s’aguditza en l’àmbit laboral en general i en el tecnològic en particular: «les dones pateixen un silenciament en els entorns laborals molt abans que els homes, quedant excloses dels plans d’innovació tècnica sota estereotips absurds d’adaptabilitat», segons argumenta el grup d’investigadores de la West Chester University of Pennsylvania, liderades per la professora Jasmin Tahmaseb-McConatha. En el seu article The Gendered Face of Ageism in the Workplace ([El rostre de l’edatisme de gènere a l’àmbit laboral], 2023), alerten que «la intersecció entre l’edat, el gènere i altres formes de discriminació es tradueix en un augment de l’estrès, amenaça el benestar dels treballadors de totes les edats i genera un clima laboral tòxic».

    Aquest entorn s’acarnissa amb les dones, les quals van manifestar, en un percentatge més alt que els homes, experimentar discriminació laboral amb major freqüència. L’anàlisi qualitativa va identificar diversos temes importants relacionats con l’edatisme, com ara «amenaces al sentiment de competència, el dubte en un mateix i la indefensió, el fet de veure’s sotmeses al “maternalisme”, el sentiment d’aïllament i solitud, i a la desvinculació gradual del lloc de treball». Una cosa així devia pensar la Marcie, de quaranta-nou anys, quan el responsable de recursos humans l’estava informant del seu acomiadament de l’empresa, utilitzant un eufemisme clarament discriminatori: «… I hem decidit… ja veus… retornar-te… la llibertat». Uns punts suspensius que indiquen pauses deliberades en comunicar una notícia de gran impacte, però que provoquen una conseqüència molt diferent entre qui les realitza, buscant autoprotecció, i qui les rep, per a qui es converteix en una petita tortura psicològica.

    Quan les paraules s’entreguen fragmentades, gairebé a comptagotes, el silenci que es genera entre cada terme no alleuja la tensió, sinó que la multiplica. D’una banda, aquesta cadència revela la incomoditat, la culpa o l’estricte càlcul legal d’un emissor que necessita dosificar el missatge perquè li costa sostenir el pes de les seves pròpies paraules. D’altra banda, per al receptor, aquest ritme entretallat resulta devastador: en lloc de rebre un impacte únic i ràpid, cada pausa es transforma en una suspensió agònica que l’obliga a processar la gravetat de cada terme per separat. I la Marcie, tot i la seva llicenciatura en psicologia amb un màster i experiència professional com a gestora de projectes, no ho tindrà fàcil per trobar feina, especialment en la seva especialitat.

    El periple que haurà de seguir per reinventar-se i tirar endavant i, qui sap, potser aconseguir una feina somiada des de feia temps, és el que podem veure en la novel·la gràfica Marcie. Punto de inflexión (Marcie – Le point de bascule, 2025), de Cati Baur, publicada en castellà el març de 2026 per Garbuix Books amb traducció de Marta Armengol. Amb un estil de comèdia, Baur crea una història de gènere negre (la Marcie s’involucrarà com a detectiu privat per resoldre l’enigma d’un possible suïcidi que podria ser un intent d’assassinat), que en realitat és «una denúncia de la invisibilització de les dones madures alhora que celebra la seva potència, la seva llibertat i la seva capacitat per reinventar-se», com indica la mateixa autora.

    El qüestionament injustificat de les seves habilitats tècniques o de la seva capacitat d’adaptació es revela sistèmic quan la persona de l’oficina de treball infravalora les capacitats de la candidata en l’entrevista. El resultat final és que la feina aconseguida és la d’enquestadora a peu de carrer, amb tot el que això comporta, encara que un factor destaca sobre tots: la invisibilitat accentuada davant la multitud que passa apressadament al seu costat cada dia durant hores. L’atzar fa que el seu lloc de treball estigui a prop d’una reconeguda agència de detectius privats, una activitat amb la qual havia somiat des de feia temps, un desig amplificat, probablement, per les seves lectures com a aficionada al gènere negre. I la seva determinació la impulsa a atrevir-se a presentar-se a l’empresa presumint precisament d’aquest superpoder adquirit, ideal per desenvolupar l’activitat de detectiu: la invisibilitat.

    La novel·la gràfica mostra altres aspectes interessants que a manera de píndoles també s’afegeixen a la denúncia principal, com quan pensa que el director de l’agència la truca només per intentar lligar amb ella, per descobrir que no és així; tanmateix, el seu comportament és a la defensiva, com si fos una experiència habitual en el seu passat, o la reflexió sobre la resolució del cas que l’acaba consolidant com a detectiu. Cati Baur, autora suïssa nascuda el 1973, explica en l’epíleg que la seva primera intenció era titular l’obra La mitjana edat, pensant en el 13% de dones a França que estan al voltant de la cinquantena, segons dades de l’Institut Nacional d’Estadística francès (INSEE). Una edat per a les dones premenopàusiques que és «el moment en què et deixen de xiular pel carrer (tota una lliberació) i passen a dir-te “senyora”. És un canvi progressiu, no és una caiguda abrupta, no ens agafa per sorpresa fins al dia en què un desconegut et diu senyora i és com un ganxo de dreta a la mandíbula».

    Un mes abans s’havia publicat en castellano la novel·la gràfica Mis rollos de cuarentona (Moi Je, Quarantaine, 2025), de l’autora francesa Aude Picault, editada per Garbuix Books amb raducció de Montserrat Terrones. A partir de petites escenes de la vida quotidiana, mostra el seu d’esdevenir en un to de comèdia irònica, des de la perspectiva d’una dona de quaranta-quatre anys, amb una filla petita, casada amb un marit deu anys més gran, aquest aparentment en les seves segones núpcies. L’obra s’emmarca en una mena de col·lecció que va començar fa vint anys en la qual reflectia, a partir de seqüències breus, el seu dia a dia d’una jove vint-i-anera, els seus dubtes amorosos i les seves precarietats en els seus inicis com a professional. El resultat final van ser dues breus publicacions, Rollos míos (Moi je, 2005) i Más rollos míos (Moi je et cætera, 2007), que vam poder llegir en castellà gràcies a Ediciones Sinsentido el 2007 i 2008, respectivament, amb traducció de Lucía Bermúdez.

    L’ús del concepte Moi Je (que en francès és una forma emfàtica i col·loquial de dir «Pel que a mi respecta»), seguit ara de l’expressió Quarantaine, constitueix una declaració d’intencions per part de Picault, reconeixent el pas del temps i contextualitzant el que es trobarà el lector, on l’autora es dibuixa a si mateixa com una mare de família lligada a les rutines extenuants, la conciliació professional i les crisis de la mitjana edat. En exposar «les seves pròpies febleses, la seva puresa, les seves discussions de parella o els seus moments de col·lapse, aconsegueix que la seva vivència estrictament íntima i personal es converteixi en un mirall de la realitat de tota una generació de dones en arribar als quaranta anys», com s’indica en el material promocional de la novel·la gràfica.

    La recepció de la crítica francesa coincideix a definir Moi Je, Quarantaine com un mirall generacional i desculpabilitzador que retrata les crisis de la mitjana edat —des del desgast de la parella fins a la càrrega mental— mitjançant una mirada honesta i summament benvolent. Lluny de caure en el cinisme o el retret amarg, l’autora introdueix un humor lluminós i moments de calma que alleugen la cruesa del col·lapse quotidià. Tot plegat vehiculat a través d’un dibuix de traç net i directe que capta a la perfecció l’expressivitat de l’aclaparament dels nostres dies, alterat per la contribució, de vegades negativa o absent, del nostre entorn més directe, com la nostra pròpia parella, els nostres amics o els nostres companys d’estudi a la feina.

    La manifestació de la càrrega mental de la protagonista és evident, tant pel li passa com per la seva expressivitat facial i corporal, o la seva reacció davant els girs sense sentit amb els quals ha de lidiar contínuament. I l’autora adverteix que la seva vivència és l’avantsala del que l’espera en un futur pròxim, quan en la visita ginecològica per col·locar-li un DIU per als pròxims cinc anys, li adverteixen que, segurament, serà l’última vegada que el necessiti, davant la inexorable menopausa. Sense ser-ne conscients, les dues protagonistes de les dues novel·les gràfiques, la Marcie i l’Aude, comencen a convertir-se en invisibles, davant del que la investigadora Gail Saltz encunya sota el concepte de «Disminució de Gènere Associada a l’Edat», en el seu article Age-related Gendered Diminishment: toward understanding and interventions for a common psychological experience in post-midlife women ([Disminució de Gènere Associada a l’Edat: cap a la comprensió i les intervencions per a una experiència psicològica comuna en dones després de la mitjana edat], 2025).

    El constructe social proposat per Saltz descriu una experiència psicològica de buit on la dona sent que les seves necessitats i la seva veu deixen d’importar per al seu entorn. A Quarantaine, la protagonista viu això a través d’una extenuant càrrega mental: està atrapada entre les demandes de la maternitat, la inèrcia d’una parella desgastada i les exigències professionals. Aquesta rutina devora per complet la seva individualitat. Picault plasma gràficament com la dona passa de ser el subjecte de la seva pròpia vida a convertir-se en una mera gestora de la vida dels altres, un pas previ i indispensable per a la desconnexió identitària que diagnostica Saltz. La càrrega mental dels quaranta és el combustible silenciós que, si no es frena mitjançant l’autoacceptació i els espais de resiliència (les escapades al bosc que dibuixa Picault), aboca les dones a la Disminució de Gènere Associada a l’Edat en la dècada posterior.